造花のような音楽

氏によると、今のレコード大賞に求められるものは、

この２つを較べると「商業的価値」が勝つそうだ。 結果として、芸術的価値がありみんなが知っていて口ずさめる曲が豊かにある時代は「今は昔｣になってしまったそうだ。

　

メロディーは十二の音の組み合わせだが、人間の脳が好ましいと感じる音の組み合わせは有限。 戦後７０年近く、毎年莫大な数の新曲がリリースされてきたことからみると、 新しいメロディーが生まれるチャンスは年々少なくなってくると言わざるをえない。

更に、カラオケで一般の人に歌われることが売り上げの上で重要になっているので、 プロ歌手にしか歌えないような広い音域を曲を書いたりすると、制作者サイドから高い音を抑えるよう注文がつくので、 それもメロディーの枯渇につながる。

　

父（服部良一）の時代の音楽は、作詞→作曲→編曲という順序で作られたものが、今は、編曲→作曲→作詞という様に、 昔とは逆の順序で作業を行う。 実際にの作業では、スタジオにミュージシャンを集めて、実際にドラムを叩かせる。良いものが出てくると、「それ、良いね」。 ベースを弾かせて良いと「そのパターンにしよう」。 そうやって全部組み立てて音をつけていく。

もっと進化して曲つくりに「オーディションシステム」が導入される。 このシステムは、「公募」みたいなもので、今度誰々というアーティストがこういうコンセプウトでアルバムを作りますと「募集」すると、 プロデューサーのもとに何百曲と応募曲が届く。 時には二曲選び、それぞれの良いところを繋ぎ合わせてひとつの曲にする、ということもあった。 今の人にとっては、作曲性を重視して断るよりも、印税を半分もらえた方が実益にかなうということなのだろう。

昔は、レコード会社が作曲家や作詞家を巻き込んで、議論しながら「これで行こう！」とトップダウンで仕事を進めていった。 今は何事も合議制で、みんなで話し合いながら決めていく。 でも、いい音楽というものは、時には「自分はこっちの曲が好きだ」というような熱い議論をしないと生まれない。 「これもいいけど、あれもいいね」では、万人受けしても何かが足りない最大公約数的なものになってしまう。

　

レコード会社自体が、外国資本が入ったことによって、シビアになっている。 音楽に関心のない会社が、レコード会社に投資した場合、資金を回収できる見込みのある売れる曲作りが余計に求められる。 かくして、作曲家、作詞家、名物プロデューサーというプロの不在の今、音楽に残ったのは、 歌っているその人たちと、メロディー性に乏しい「サウンド」だ。 その結果、何となく聴いたことのあるような曲やパット見も良い一過性の曲がどんどん世の中に出て行くことになる。

　

そしてそれにも飽きられてくると、「付加価値」をつけて売り出すわけだ。 それがダンスや、真似したくなる振り付け、握手権や、人気投票の権利といったものに広がって、商品価値を高める。 ファンたちは、音楽だけではなく、そういったものまで楽しんで、お金を払っている。 それが、「新しい複合エンターテインメント」としての日本の音楽だ。

こうした傾向をもっと徹底させているのが、韓国のＫ−ｐｏｐだと思う。 彼らはアメリカで最近流行しているサウンドを、アメリカの機材やスタッフを使って作り、アメリカで録音する。 振り付けは日本人の振り付けしを使い、とにかく世界の最先端のスペックを組み合わせる。 基本的にはヒップホップで、メロディーらしきものは特にない。歌詞は非常に繰り返しが多くて、詩として体を成しているかどうか疑問。 音楽的要素の重要性は低い、ダンスや人工的な美をパッケージした「複合エンターテインメント」をより徹底させた形と見るべきだ。